7 svarte artister som gjorde leiren til en kulturell revolusjon
For å minnes årets Met Gala-utstilling, ' Camp: Notes on Fashion ,' dem. kjører en serie artikler som feirer og utforsker alt som har med leir å gjøre. Sjekk ut resten her.
Fra Oscar Wilde til John Waters, leir har lenge vært et smart verktøy for å kritisere kulturelle normer - og oftere enn ikke er det også assosiert med kunsten og sensibilitetene til hvite homofile menn. Susan Sontag nevner også en rekke kvinner som eksemplifiserer begrepet, inkludert Jayne Mansfield og Greta Garbo, i hennes landemerke fra 1964 essay Notes on Camp, som fungerer som inspirasjon for årets Met Gala og tilhørende utstilling, Camp: Notes on Fashion. Men kritikere har ofte kalt ut begrensningene som er foreskrevet i Sontags essay, inkludert utelukkelsen av Svarte og andre minoritetsartister og dets insistering på at leirens følsomhet er frakoblet, avpolitisert - eller i det minste apolitisk.
Man kan kanskje argumentere for det leiren har vært politisk hele tiden, i sin sending av kjønnsroller og anstendighet, sin utvisking av høy- og lavkultur for å indikere absurditeten i enhver og alle sosiale konvensjoner. Men hvis leiren er en estetikk hjemmehørende hos de i marginene med høy smak (stort sett homoseksuelle, etter Sontags vurdering), har svarte kunstnere skildret leiren og dens underliggende politiske intensjoner siden lenge før Sontag brakte konseptet inn i offentlig bevissthet.
En forkjærlighet for glamour og vekt på overdådig stil fylte urbane svarte samfunn på begynnelsen av 1900-tallet, når et høydepunkt under Harlem-renessansen på 1920-tallet. Denne estetikken gikk over og ble allment synlig i amerikansk kultur gjennom fremveksten av 70-tallets disco og hip-hop på 80- og 90-tallet. En vektlegging av velstående stil og manipulasjoner av selvbilde utenfor foreskrevne kjønns- og rase-stereotypier har blitt et kjennetegn for svarte artister, fra Grace Jones til Janelle Monáe .
Svart leir, kanskje mer enn noen annen form, fungerer som en underholdningsmodus og et middel for kraftige politiske meldinger. Slike kunstnere peker ofte på sin egen bruk av kunstgrep for å rive ned rasistiske antagelser og hevde sin egen individualitet. De håndfulle svarte artistene nedenfor representerer bare en brøkdel av de som har drevet leiren for å starte en kulturell revolusjon.
Josephine BakerHulton-Deutsch Collection/CORBIS/Corbis via Getty Images
Josephine Baker
Josephine Bakers varige innflytelse kan merkes overalt fra couture-rullebaner til Monique Hearts oppfatning på henne kjent bananskjørt . Baker var en berømt danser og underholder fra Jazz Age Paris, og utsmykket seg som en slags dekorativ konfekt, som tok på seg fjær, squines, rhinestones og prangende hodeplagg - en drag-estetikk før noe slikt eksisterte. For Baker ble det å vise forskjell en selvrefererende prosess for myndiggjøring gjennom koreografisk forfatterskap, komisk parodi, mimikk, cross-dressing og leir, skriver Kristin Graves i en papir levert ved Nasjonalt råd for svartestudier. Baker presenterer et tidlig eksempel på en kunstner som bruker utsmykning for å irettesette kjønns- og rasestereotypier. På 50-tallet ble hun aktivt involvert i Civil Rights-bevegelsen, og nektet å opptre på adskilte arenaer og deltok i politiske demonstrasjoner, inkludert mars i Washington i 1963.
Paris brennerOff White Productions/Costesy Everett Collection
Dorian Corey, Pepper LaBeija, Venus Xtravaganza og emnene til Paris brenner
Paris brenner er ikke i seg selv en leirfilm, i hvert fall i Sontags forstand av kunst som foreslår seg selv seriøst, men som ikke kan tas helt seriøst. Jennie Livingston Dokumentarfilmen fra 1990 om New Yorks underjordiske ballsal er dødseriøs når det gjelder å presentere mange av sine undersåtters kamp med avhengighet, fattigdom og AIDS. Men de store personlighetene filmen udødeliggjorde, inkludert Dorian Corey, Pepper LaBeija og Venus Xtravaganza, har forblitt dommere i leiren i tiårene siden. Paris introduserte dragballer, vogueing og en ordboks verdi av queer-språklig for offentlig bevissthet.
Amerikansk sanger, låtskriver, musiker og skuespiller Prince opptrådte på Bottom Line 15. februar 1980 i New York City.Waring Abbott/Getty-bilder
prins
Kunstneren som en gang skiftet navn til en kjærlighetssymbol å kombinere tegnene for mannlige og kvinnelige trosset enhver form for kategorisering. Princes high-glam androgyni fløy i møte med hypermaskuliniteten til andre toppliste Black-artister, som Run DMC og Dr. Dre. Etter å ha tatt stikkord fra utviskingen av kjønnsgrenser som er iboende til 70-tallsdiskoteket, gjorde Prince androgyni, svarthet og seksualitet til en hypnotiserende, overveldende leirforestilling, enten på scenen eller utenfor. Prince brukte urban svart musikk og svart homofil holdning da den filtrerte gjennom hans overveiende hvite midtvestlige miljø for å uttrykke sitt typisk amerikanske jeg, skrev Hilton Als i en 2012 Harpers essay om kunstneren. Det var dette jeget – som han i det minste visuelt spilte som mann og kvinne, homofil og hetero, svart og hvit – som Prince brukte for å gjenskape svart musikk i sitt eget bilde.
En besøkende ser på kunstverket 'The Sovereign Citizens Sesquicentennial Civil War Celebration' av Kara Walker i Unlimited-delen av Art Basel 16. juni 2014 i Basel, Sveits.Harold Cunningham/Getty Images
Kara Walker
Walkers kunstneriske representasjoner av svarte kropper er mest kjent for sine storskala, svart-på-hvitt-silhuetter, og oppgraderer konvensjonelle historier fra antebellum sør. I henne banebrytende lerret Gone, An Historical Romance of a Civil War as it occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (1994), gjenvinner Walker minstrel-karikaturer som ble popularisert på 1800-tallet for å forestille seg noe som er nærmere sannheten om svart erfaring og psykologi. Som Brian Stephens fra University of California Riverside skriver , ['Borte'] bruker kvaliteter av leiren - teatralitet, humor, inkongruens - for å utfordre hvite overlegenhetsnarrativer om svarthet gjennom ironisk fremføring av rasistiske stereotyper.
Nicki Minaj opptrer på scenen under MTV EMAs 2018 på Bilbao Exhibition Centre 4. november 2018 i Bilbao, Spania.Kevin Mazur/Getty Images
Nicki Minaj
Sontag skriver at å oppfatte Camp i objekter og personer er å forstå Being-as-Playing-a-Role. Det er den fjerneste forlengelsen, i sensibilitet, av metaforen om livet som teater. I tillegg til sin svært stiliserte fysiske estetikk (fargerike parykker, dukkelignende sminke), har Minaj utført sin kunstneriske persona som en serie med karakterer , inkludert hennes svunne homofil mannlig alter-ego Roman Zolanski og Harajuku Barbie fra Super Bass. UCLA førsteamanuensis i engelsk Uri McMillan skriver at Nicki-estetikk, som han kaller leiropptredenen hennes, tappert irettesetter hiphopens standard trifecta – maskulinitet, ektehet og normativ svarthet – for en kunstnerisk stil som understreker Technicolor kunstgrep og [annethet] med en dose smart vidd.
Beyonce opptrer under Global Citizen Festival: Mandela 100 på FNB Stadium 2. desember 2018 i Johannesburg, Sør-Afrika.Kevin Mazur/Getty Images
Beyonce
Beyoncés introduksjon av et alter-ego, med albumet hennes fra 2008 Jeg er... Sasha Fierce, legemliggjør en lignende strategi som Minajs konsekvente sjonglering av masker, en som peker på identitet som en slags kunstig forestilling . Sasha presenterte en mer modig og seksuell avatar av svart femininitet, i motsetning til det mer beskjedne bildet Beyoncé skapte med Destiny's Child. Camp er forherligelsen av karakter, skriver Sontag. Det Camp-øyet setter pris på er enheten, kraften til personen. Sontag fortsetter med å sitere eksemplet med Garbo, som selv når han spilte en karakter alltid var seg selv. Kraften til Beyoncés enestående persona er uforanderlig, selv når hun forvandles gjennom forskjellige personas, som på Limonade, å stille spørsmål ved nedarvede antakelser om svarthet og femininitet.
RuPaul ankommer den røde løperen på Premiere Of Warner Bros. Pictures 'A Star Is Born' på The Shrine Auditorium 24. september 2018 i Los Angeles, California.Emma McIntyre/Getty Images
RuPaul
Den mest synlige queer-avataren til leiren i popkulturen i dag, RuPaul er hovedansvarlig for kunsten å dra inn i mainstream-bevisstheten. Før RuPauls Drag Race eksponerte millioner av seere for de gagverdige krumspringene til nå over 100 deltakere, var verten den første drag queen som slo gjennom til kommersiell suksess, med divahymnen 'Supermodel (You Better Work),' et eponymt talkshow på VH1, og en kampanje med MAC-kosmetikk - alt i 1994 alene. Jeg er en drag queen som forstår leiren og som forstår hvordan jeg skal kommentere hva som skjer i Matrix, sa Rupaul Vogue i et intervju for magasinets mai-utgave. Vår jobb som drag queens har alltid vært å minne deg på at dette antrekket du har på deg, eller denne etiketten du setter på deg selv, bare er en etikett. Drag-dronninger er sjamanene eller heksedoktorene eller til og med hoffnarren – for å minne deg på hva som virkelig er ekte.
Få det beste av det som er queer. Meld deg på vårt ukentlige nyhetsbrev her.